Exposición concurso fotográfico

CONCURSO DE FOTOGRAFÍA

IES CÉSAR MANRIQUE. Aula de Fotografía

CONCURSO FOTOGRÁFICO

TEMA:
VIAJANDO POR MI CUDAD. Descubrien sitios que no conocía a través de la fotografía

BASES
- Las fotos se harán con teléfonos móviles.
- Se enviarán al correo: aulafotocm@gmail.com
- Fecha límite de recepción: 13 de mayo.
- Se pueden enviar hasta 5 fotos por persona
- Con cada foto incluir esta información: Autor/a, Título de la foto, móvil utilizado, app o efecto utilizado.
- No habrá restricciones de formato, aplicaciones usadas, etc.
              

PREMIOS
- Habrá dos categorías de premios:
  1. Alumnado que asiste al Aula de Fotografia
  2. Alumnado del IES César Manrique
- Los premios serán teléfonos móviles Samsung Galaxy S3 Mini, un premio por categoría.
- El jurado de la categoría 1 estará compuesto por profesorado del Centro, el de la Categoría 2 por alumado del Aula de Fotografía.
- Los premios se entregarán el 16 de mayo, el día de la inauguración de la Exposición

DIFUSIÓN
- Las fotos ganadoras, y las participantes que se valoren de interés, se expondrán en el Centro a partir del día 16.
- También se colgarán todas las fotos participantes en la red.

PROPIEDAD INTELECTUAL
- Los participantes se responsabilizan de que sus fotos son de su propiedad intelectual.
- La participación en este concurso implica que se acepta poner todas las fotos participantes bajo licencia Creative Commons: By,Nc (http://es.creativecommons.org/blog/licencias/) a fin que sean de uso libre. Por favor lee la licencia antes de participar.

- La participación en este concurso implica la aceptación de estas bases.

Introducción a The Americans

Esa loca sensación en América cuando el sol calienta las calles y la música sale del jukebox o de un funeral cercano, eso es lo que Robert Frank ha capturado en tremendas fotografías sacadas mientras viajaba por carretera alrededor de casi 48 estados en un viejo coche usado (becado por la Guggenheim) y con la agilidad, el misterio, el genio, la tristeza y el extraño secreto de una sombra ha fotografiado escenas que nunca antes se habían visto en película. Por esto sin duda será celebrado como un gran artista en su campo. Después de ver estas imágenes, terminas por no saber si una jukebox es más triste que un ataúd. Eso es porque siempre anda sacando fotos de jukeboxes y ataúdes (y de misterios intermediarios como el sacerdote Negro agachándose bajo el brillante y líquido vientre del mer del Mississippi en Baton Rouge por algún motivo al atardecer o temprano al amanecer con una blanca cruz blanco nieve y secretos conjuros nunca oídos más allá del bayou). O la imagen de una silla en un café con el sol filtrándose por la ventana para envolver la silla en un halo sagrado que nunca pensé que podría ser capturado por una película y mucho menos descrito enteramente con palabras en su hermosura visual.

¡El humor, la tristeza, la TOTALIDAD y Americanidad de esas imágenes! Un alto y delgado vaquero a la salida del Madison Square Garden ante la temporada de rodeo, triste, larguirucho, increíble – Un largo tramo de carretera nocturna apuntando como una flecha a las inmensidades y a la llana e imposible-de-creer América en Nuevo México bajo la luna del prisionero—bajo el tantán de la guitarra estrella—Demacradas viejas rancias damas de Los Ángeles inclinadas intentando mirar desde la ventana derecha delantera del coche de Old Paw un domingo embobabas criticando para explicarles América a los niñitos del salpicado asiento trasero—el tipo tatuado durmiendo en la hierba de un parque de Cleveland, roncando muerto al mundo en una tarde de domingo con demasiados globos y barquitos—Hoboken en invierno, una tribuna llena de políticos todos con pinta normal hasta que de repente al otro extremo ves a uno de ellos fruncir los labios en una plegaria política (probablemente bostezando) que ni a un alma le importa—Un viejo dudoso con un bastón de anciano ante los viejos escalones hace tiempo derruidos—Un loco descansando bajo el palio de una bandera americana en un viejo coche roto en un patio de la fantástica Venice California, podría sentarme allí y esbozar 30000 palabras (cuando trabajaba como ferroviario atravesé muchas veces por patios como ése asomándome desde la vieja cafetera humeante) (botellas vacías de Tokay entre la maleza de las palmeras)—Robert recoge a dos autoestopistas y les deja conducir el coche, por la noche, y la gente mira a sus dos caras mirando adustos hacia delante en la noche (“Visionarios ángeles indios que eran visionarios ángeles” dice Allen Ginsberg) y la gente dice “Uy parecen tan malos” pero todo lo que quieren hacer es ir como flechas por la carretera y regresar al saco –Robert está aquí para contarnos eso—St. Petersburgo Florida los abueletes pensionistas en un banco de la bulliciosa calle principal apoyándose en sus bastones y hablando sobre la seguridad social y una increíble mujer (creo) Semínola medio negra tirando de su cigarrillo con sus propios pensamientos, una imagen tan pura como el más hermoso solo de tenor de jazz...

Una imagen tan americana—las caras no manipulan ni critican ni dicen nada excepto “Así es como somos en la vida real y si no te gusta no me importan ‘porque vivo mi vida a mi manera y que Dios nos bendiga a todos, tal vez”... ”si se merece”...

Oye solitario ay de Lee Lucien, una cesta de gatitos...

Qué poema, qué poemas podría escribir sobre este libro de fotos algún día algún joven nuevo escritor a la luz de una lámpara inclinándose para describir cada misterioso detalle gris, la película gris que captó el verdadero jugo rosado de la humanidad. O si era la leche de la bondad humana, como lo quiso Shakespeare, al contemplar estas imágenes da igual. Mejor que una exposición.

Locacarretera conduciendo a la gente hacia delante—la carretera loca, solitaria, conduciendo en curvas a las aperturas de espacio hacia el horizonte de nieves de Wasatch que nos fue prometido en la visión del oeste, alturas vertebrales del fin del mundo, la costa del Pacífico azul estrellada en la noche—deshuesadas lunas de medio plátano pendientes en el cielo de la noche enmarañada, las tormentas de las grandes formaciones en la neblina, el invisible insecto acurrucado en el coche a toda velocidad hacia delante, iluminados—La pieza cruda, el drag, el culo, la estrella, el girasol en la hierba—tierras de culo anaranjado del oeste de la Arcadia, arenas desoladas de la tierra aislada, intemperie de exposiciones al infinito en un espacio negro, casa de la serpiente de cascabel y de la taltuza—el nivel del mundo, bajo y llano: la cargante muda sin descanso ni voz carretera inclinándose en un ataque de poder de lona en la ruta, fabulosos argumentos de terratenientes en verdes imprevistos, cunetas a los lados de la carretera, mientras miro. De aquí a Elko a lo largo del nivel de esta clavija paralela a los postes telefónicos puedo ver un bicho jugando bajo el sol caliente—zás, haz dedo más allá del tren de mercancías más rápido, gánale al humo, encuentra los muslos, gástate lo bueno, tira la mortaja, besa el lucero del alba en el vaso del alba—locacarretera conduciendo a la gente hacia delante. Trazos de lápiz de nuestro más débil deseo en el viaje al horizonte conciliados, la nube entrometida se ofusca en un enfangarse de distancia sin habla, las nubes oveja negra se cuelgan de una paralela por encima de los vapores de la CBQ—Pequeñas rocas de Missouri apiñadas atormentan los páramos, campos marrones secos ásperos llegan a la luz de la luna con el culo brillante de una vaca, postes de teléfonos escarban como palillos el tiempo, “punteando la inmensidad de puntos” el enloquecido viajero del coche solitario imprime su ansiosa insignificancia en placas y matrículas con el molde de la promesa de la vida. Escurre tu cuenco en el viejo Ohio y en las llanuras indias y de Illini, trae tus grandes ríos enlodados a través de Kansas y las tierras de barro, Yellowstone en el norte helado, agujerea lagos en Florida y L.A., levanta ciudades en la llanura blanca, moldea tus montañas arriba, adorna el oeste, engalana el oeste con valientes acantilados con setos levantándose hacia fama y alturas prometeicas—planta tus prisiones en la cuenca de la luna de Utah—empuja a tientas tierras de Canadá que terminan en las bahías árticas, uno del derecho otro del revés teje tu cuello mexicano, América—vamos a casa, a casa.

Descansando sobre su almohada satinada en el trance tremendo de la muerte, el Hombre, negro, y los locos dolientes que pasan a echarle un vistazo al Rostro Santo para ver cómo es la muerte y la muerte es como la vida, ¿cómo si no?—Ya sabes lo que dicen los sutras—La convención de Chicago con la cara elegante honrada persuasiva confiada con un puro de jefe sindical gordo como Nerón y deseoso como César en la atronadora cerveza del vestíbulo inclinándose en confidencia—La mesa de juego en Butte Montana con pósters de elecciones pasadas y pequeños artilugios sobre los que golpear, la misma página editorial—

El coche envuelto en una elegante lona carísima (conocí a un camionero que pronunciaba lona de una manera muy particular) para que el hollín de la Malibú sin hollín no pidiera nuevo encerado mientras el dueño carpintero de a dos dólares la hora echa una cabezadita en casa con tele y señora, todo bajo las palmeras por nada, en la noche cementerial de California, aj, uf—En Idaho tres cruces donde los accidentes, donde ese espigado vaquero casi llega al Madison Square Garden cuando estaba a una milla—“Te dije que esperaras en el coche” dice la gente en Américca y entonces Robert echa un vistazo y fotografía a esos niñitos esperando en el coche, bien tres niñitos en una limusina, opíparos e impíos, o niñitos pobres que apenas pueden mantener los ojos abiertos en la Ruta 90 en Texas a las 4 a.m. mientras papá va a los arbustos y se estira—Los monstruos de la gasolina se levantan en los llanos de Nuevo México bajo grandes carteles que dicen AHORRA—el dulce bebé blanco en los brazos de la enfermera negra ambos perplejos en los Cielos, una imagen que debería haber sido explotada y colgada en la calle de Little Rock mostrando el amor bajo el cielo y en el vientre de nuestro universo la Madre—Y la imagen más solitaria nunca vista, las letrinas que las mujeres nunca ven, la limpieza de zapatos en triste eternidad—

Guau, y por encima del cementerio chino las flores de una colina de San Francisco clavadas con niebla de patatal en una noche de marzo en el que se diría que nadie estaría por allí excepto el gato de goma—
A cualquiera no le gustan esas fotitos no le gusta la poesía, ¿o no? A cualquiera no le gusta la poesía y se va a casa y ve en la tele escenas de vaqueros con sombreros grandes aguantados por caballos amables.

Robert Frank, suizo, discreto, amable, con esa pequeña cámara, que levanta y dispara con una mano se tragó un triste poema desde la misma América y lo pasó a película, haciéndose un sitio entre los grandes poetas trágicos del mundo.

A Robert Frank ahora le doy un mensaje: Tienes ojos.

Y digo: Esa pequeña vieja solitaria ascensorista que mira hacia arriba suspirando en un ascensor lleno de demonios borrosos, ¿cómo se llama? ¿dónde vive?

Jack Kerouac

Propuesta de trabajo. El viaje

Un ejercicio que tenía previsto y que ya no vamos a hacer consistía en hacer 30 fotos de un objeto de tamaño mediano. El objetivo es agotar todas las fotos posibles y si aún no se tienen 30, seguir buscando otras formas de fotografiarlo.
La fotografía puede ser un instrumento de conocimiento. De un objeto, de una persona, de un lugar.

En clase vimos algunas imágenes de un libro de fotografías que con el tiempo se ha convertido en una referencia clave: The Americans, del fotógrafo Robert Frank. Les he pasado un enlace para ver con calma las fotos de ese libro. Un aspecto interesante es cómo Robert Frank hizo un intento consciente de liberarse de prejuicios fotográficos sobre qué debe ser una buena foto: composición, instante decisivo, enfoque. En lugar de eso se dejó llevar por la intuición. Algunos críticos han comparado sus fotos con la música de jazz: improvisada, caótica. Otro aspecto interesante es el concepto de trabajo que siguió: hizo unas 28.000 fotos de las que eligió unas 1.000, de las que hizo copias de trabajo y a partir de esas fue eliminando lo innecesario hasta quedarse con 82 imágenes.

El viaje de Robert Frank a través de EE.UU. conecta con un libro básico en la literatura del siglo XX: On the Road, de Jack Kerouac. No puede ser solo una casualidad que Kerouac aceptara inmediatamente escribir el prólogo de The Americans.

• THE AMERICANS, de Roberto Frank
• 'Americans': The Book That Changed Photography

PROPUESTA DE TRABAJO

El trabajo que les propongo es un viaje de conocimiento. Para encauzarlo mejor, propongo elegir un barrio o una zona de Santa Cruz (hay quienes prefieren otra ciudad, no hay problema) pero sobre todo que sea una zona desconocida. Hacer varias visitas, como pequeños viajes fotográficos fotografiando todo lo que nos llame la atención,.
Me gustaría que en este trabajo experimentaran con el método que siguió Frank: hacer muchas fotos y luego una selección rigurosa. No pido ni siquiera 1.000, pero podríamos probar con (por poner una cifra) 400 fotos, realizadas sin tanta reflexión en el momento de la toma. Y de esas elegir al final 10.

En el mapa del siguiente enlace he señalado algunas zonas posibles de Santa Cruz, Candelaria y La Laguna. No son ninguna imposición, sino propuestas.

• http://goo.gl/maps/zewwr

PLAZOS
Mi idea es trabajar en este proyecto hasta mediados de junio.

EL CONCURSO
En el plazo de una semana ya pueden haber hecho algunas fotos y utilizarlas para el concurso.

Artículo: 5 tipos de fotografías que apenas existían antes de los smartphones

Los smartphones y la fotografía digital en general están dejando un legado jamás visto en la historia de la fotografía, al margen de las excentricidades de algunos artistas de pasadas décadas. Fotos curiosas, fotos estúpidas, fotos sorprendentes, fotos sin sentido, fotos que te dejan sin aliento… Son las consecuencias de dar a cada ser humano del mundo desarrollado un artilugio con el que poder retratar la realidad que le rodea. Así pues, tras visitar lugares como Flick, Instagram o el mismo Facebook, podemos ser testigos miles de instantáneas que distan mucho de aquellas que se hacían aún en blanco y negro o esas que poco a poco están ya perdiendo el color.

Artículo completo en experiensense

Artículo: La nueva fotografía es móvil

La fotografía ya no es lo que era. La más grande comunidad de fotografía de internet en el mundo, con 100 millones de usuarios-socios ( Instagram), está compuesta –sobre todo– por fotógrafos amateur de móvil y online. Y ha llegado a esos números tan solo en dos años y medio de vida.

Es un sector del consumo que consume poco en material fotográfico pero que podría tener más fuerza de presión mundial que un país entero de votantes. En estos momentos ningún grupo de activistas, aficionados o groupies supera esta cifra. Y el sector de la mercadotecnia ya ha captado a autores que tienen 300.000 seguidores para intentar seducir a esos posibles nuevos clientes.

Básicamente la fotografía móvil (mobilephoto) consiste en compartir sin parar fotos capturadas con móvil y tratadas (mejoradas, embellecidas) con aplicaciones ultrarápidas del mismo móvil o de programadores de la misma comunidad, sin ni siquiera pasar por la pantalla del ordenador. Del móvil a la red en un instante. Sin palabras o textos.

Es como un twitter no literario sino visual y con la misma inmediatez que un tuit que se genera desde un móvil según la inspiración nos dicte.

Leer el artículo completo en el diario

Reseña: D-IVE, primer festival español de fotografía con móvil, nace en Barcelona

El próximo fin de semana (del 19 al 21 de abril de 2013) tendrá lugar D-IVE, el denominado primer festival de fotografía móvil que va a tener lugar en territorio español. Debido a la enorme expansión y el entusiasmo que genera entre sus defensores y cada vez más aficionados, este festival interactivo promete no defraudar con un completo programa de actividades.

La comunidad en torno a la fotografía con móvil es muy activa y prueba de ello es la puesta en marcha de este festival D-IVE que contará con conferencias, workshops, talleres, photowalks, exposiciones y muchas opciones para compartir el entusiasmo fotográfico con los smartphones.

Artículo completo en xatakafoto

Trabajar con luz natural

TRABAJO NÚMERO 4
Trabajando con la luz natural

Ejercicios propuestos:

• 1 foto con el sol desde atrás
• 2 fotos con el sol lateral, probar dos ángulos diferentes
• 2 fotos con el sol de frente: intentar una silueta y una luz de pelo natural en un retrato
• 1 foto con luz natural rebotada en una pared, prenda de ropa, etc
• 1 foto en una sombra abierta
• 3 fotos utilizando la compensación de exposición

El sol es la mejor fuente de iluminación que tenemos. Aunque tenemos que aprender a utilizarla. En los primeros tiempos  de la fotografía, los estudios fotográficos siempre se situaban en el último piso de los edificios, con unas cristaleras (parecidas a un invernadero) y sistemas de cortinas blancas y negras para usar la luz del sol manipulándola.

Vamos a probar varias formas de trabajar con la luz de día:

• Tres posiciones básicas con respecto al sol : frontal, desde un ángulo y desde atrás.
• Luz rebotada y sombras abiertas
• Manipular la exposición (compensación de exposición)

Posiciones respecto al sol
La luz frontal es la que se recomienda como norma general. Nos ponemos de forma que tengamos el sol a nuestra espalda y los sujetos reciben la luz directa.
Esto además evita las luces parásitas.

Beach Day por Dstevetulk. CC:By

La luz lateral nos da sombras laterales, que según la intensidad del sol, que haya nubes o no, etc. pueden ser más o menos dramáticas.

portrait por gaioum. CC:By

Luz trasera o contraluz. Aunque puede darnos problemas de luz parásita (entran rayos de sol directamente a través del objetivo, rebotando en sus paredes, y pueden causar falta de contraste o destellos), según el ángulo y qué parte del encuadre elijamos podemos conseguir una luz de pelo natural o siluetas contrastadas.

Backlit por Martin Chen. CC:By

Backlit tree por dphiffer. CC:By

burned by sun por Victor Bezrukov. CC:By
La luz de pelo es esa que incide en el sujeto desde atrás y desde arriba, creando un borde de luz en los hombros, cuello o cabeza, y si el pelo está más o menos suelto, un halo de luz alrededor de la cabeza. Además de tener un glamour propio, añade volumen a las formas, nos ayuda a interpretar el volumen como algo sólido.

Luz rebotada y sombras abiertas

Santorini-Walking down the street in the village of Oia por Bruce Harlick. CC:By


Podemos manipular la luz del sol con reflectores que coloquemos nosotros o naturales: hay reflectores plegables que pueden rellenar las sombras, aunque también si vemos por ejemplo una pared blanca podemos colocar al sujeto cerca de modo que le llegue luz rebotada. La ropa puede hacer de elemento reflector. Una simple camiseta blanca puede rellenar las sombras de la zona del cuello y bajo la barbilla.
Una vez me explicaron que el fotógrafo Irving Penn, en unas sesiones de fotos en Grecia observó la luz rebotada en las paredes encaladas y eso le hizo desarrollar su propia técnica de iluminación con luz rebotada. Nunca he podido comprobar este dato. En la foto de arriba se puede ver una típica situación de múltiples zonas de luz rebotada, que rellenan todas las sombras.
Aprovechar la luz natural rebotada es una cuestión de observar el lugar.
Las sombras abiertas son esas zonas a la sombra de una pared o un edificio dentro de las cuales, por rebotes de la luz en el suelo y zonas cercanas, encontramos una luz difusa y suave, menos contrastada pero con más detalle.  

La Compensación de Exposición (Exposure Compensation)
En esta práctica quiero que pruebes algunas características técnicas de la cámara del móvil para cambiar la exposición. No estoy seguro de que tu móvil las tenga, yo las tengo en la app ProCapture (tiene una versión gratuita y la de pago cuesta menos de 2€) para Android, aunque hay que ver cada móvil. Además en algunos podemos hacer algunas chapuzas manuales para resultados similares.

Te permite sobreexponer o subexponer la foto desde -2 hasta +2 en valores de exposición (EV, exposition values) en pasos de 1/3.

Tienes que encontrar cómo se cambia esto en tu cámara o en tu móvil. Entonces, eliges un paisaje y disparas con el EV en 0, que es lo normal. Luego subexpones un punto (con la escala en -1) y subexpones dos puntos (con la escala en -2). Ahora sobreexpones 1 punto y sobreexpones 2 puntos. Quizá es mejor no hacerlo en ese orden, sino -2, -1, 0, +1, +2 (más fácil para cuando estés viendo las fotos identificar bien cada disparo)

En total habrás hecho 5 fotos, que luego podrás analizar mejor en casa.

¿Para qué sirve esto? Cuando haces una foto, la cámara mide en general, pero a lo mejor hay algo que ocupa poca superficie, o sea en la medición general importa poco pero a ti te interesa que quede bien y crees que le viene bien un poco más de luz (porque es algo oscuro) o un poco menos (porque es algo claro). Puedes entonces hacer que la cámara te haga ese ajuste. ¡No te olvides de dejar luego el EV en 0!

Una situación típica: el sol desde atrás en un retrato. La siguiente foto es posible que se haya realizado compensando la exposición:

Backlit por John Benson. CC:By

Tienes que saber que -1 punto es la mitad de luz que 0 y que -2 es la mitad de esa mitad o sea la cuarta parte de luz que 0.

Si te pasas de sobre o de subexposición se pueden arreglar (en parte) con un poco de tratamiento digital.

El formato cuadrado

TRABAJO NÚMERO 3
Composición en formato cuadrado.

Aunque los objetivos fotográficos producen un cono de luz circular, en fotografía casi siempre se ha aprovechado una zona rectangular de este círculo de imagen, seguramente por la herencia de los formatos rectangulares de la pintura. Una excepción fueron las primeras cámaras Kodak que hacían fotos circulares hacia finales del siglo XIX.

La primera cámara comercial de formato cuadrado fue la Rollei en 1929. La razón del formato cuadrado tenía que ver con el diseño de la lente doble y el inconveniente de girar la cámara. Las cámaras Rollei fueron utilizadas por fotógrafos como Richard Avedon, Irving Penn y Robert Doisneau. Diane Arbus utilizaba una Mamiya de doble lente. Todos estos fotógrafos utilizaron el formato cuadrado, algunos con mucha dedicación. Desde mediados del siglo XX el formato de película llamado 120 era usado por estas cámaras (y por otras de aficionado, como la Diana, etc) en rollos de 16 fotos sin perforaciones.

Primer modelo de Rollei, Hasselblad y Diana

Hasselblad fabricó una cámara de formato cuadrado en 1948, y siguió usándolo hasta 2002. El sistema Hasselblad tenía una reputación de calidad y lo usaron muchos fotógrafos profesionales de estudio durante décadas. Una razón de su popularidad, aparte de la calidad, era la conveniencia del formato cuadrado combinada con el gran tamaño del negativo que permitía reencuadres sin pérdida significativa de calidad.

Diane Arbus trabajando

Cómo podemos hacer fotos de formato cuadrado:

• Usando una cámara de película de formato medio como una Rolleiflex, Mamiya o Hasselblad.
• Usar una cámara de juguete como una Holga o Diana. Luego se pueden imprimir o escanear las imágenes, personalmente o mediante servicios online.
• Usar un teléfono con cámara y convertir las fotos en formato cuadrado usando una aplicación como Hipstamatic o Instagram.
• Hacer una foto con digital, réflex o una cámara de formato medio y recortar al formato cuadrado en Photoshop o Gimp.

 En cuanto a recortar las imágenes, hay un par de estrategias que se pueden seguir: Una es disparar específicamente con el propósito de recortar a un cuadrado. La otra es buscar imágenes propias antiguas y ver si alguna de ellos se pued emejorar con el recorte a un cuadrado. Puede entenderse como parte del proceso de simplificación. Cuando se recorta a partir de una foto rectangular a cuadrada, se va a eliminar un tercio de la foto y como resultado la imagen es a veces más potente y concentrada.


Composición
¿por qué usar el formato cuadrado?

Formas
Con círculos, cuadrados, rectángulos o triángulos, la técnica de componer utilizando formas geométricas en el formato cuadrado es muy potente. El formato cuadrado se presta mejor a este tipo de composición que cualquier relación de aspecto rectangular. Las formas tienen todas las virtudes de simplicidad del diseño.

Spiral staircase By Mister-E

the lights. Akisa Asakura. CC:By,Nc.

Cranes Above \\ Buildings Below By Peter Alfred Hess


Diseño y equilibrio
A diferencia de un rectángulo, un cuadrado tiene un sentido natural de equilibrio. Un cuadrado es una forma muy sólida y visualmente estable, especialmente en comparación con un rectángulo vertical.
Las composiciones centrales y simétricas pueden funcionar muy bien en el formato cuadrado.

Tree By nagaraj.hubli

62 by Brinzei.

También funcionan bien las formas cortadas por los bordes de la imagen o cerca del borde.

Orchidee... By Gytha69

blooming catkins By mamnaimie. CC:By

Scoot Scoot #CaliforniaLovin' By Leah Gregg


Regla de los tercios
¿Se puede usar la regla de los tercios? Sí. Aunque es un consejo de composición creado en principio para formatos rectangulares muchas veces puede funcionar en cuadrado.

Square Meal. Brad Greenlee, CC:By.

Sottopasso Piazza delle Cure By Mia Felicita Bertelli Street Photography


En los dos siguientes casos se aplica la vieja regla: no dejes el horizonte en el centro: súbelo o bájalo

恩納村 rice paddy, Onna Village. Akisa Asakura. CC:By,Nc.

Untitled By McD22


El movimiento circular
El ojo de la persona que mira la foto se mueve alrededor de la imagen en círculos, en lugar escanearlo de un lado a otro o de arriba abajo. Funciona mejor colocar los elementos en el centro del encuadre.

straw hats By mamnaimie

El formato cuadrado parece funcionar muy bien con temas como el retrato, el paisaje desnudo, la naturaleza muerta, la arquitectura, los detalles. Todos estos son temas artísticos (en oposición, por ejemplo a noticias, deportes, etc).

She does not exist (T_T) Average face of four women, generated using AVERAGE FACE for iPhone. By lessThan5pct


Experimentar
Uno de los puntos fuertes del formato cuadrado es que es muy fácil de usar el espacio dentro del marco, está más abierto a la experimentación, se puede colocar el tema en varias posiciones dentro de la estructura para encontrar la más efectiva. Esto lo podemos hacer al tomar la foto o también al recortar fotos rectangulares.

Erica By HolyWhiteShirt

colorful By Ana Mariel

Experimentar con el formato cuadrado es divertido. La experiencia en composición ayuda luego cuando se toman fotografías en formatos rectangulares.


En el grupo de Flickr Square Format podemos ver muchos ejemplos de fotos en formato cuadrado. Aquí muchos significa más de 800.000 fotos.

Más:
Em noviembre de 2012 cinco fotógrafos trabajaron para la revista TIME cubriendo la llegada de la tormenta Sandy a la costa Este de EE.UU.
Como un experimento usaron Instagram subiendo directamente sus fotos a la cuenta de Time.
Aunque tienen la frescura de las fotos de aficionado, se pueden estudiar en ellas muchos ejemplos de composición. Pincha en el enlace o en la foto para ver las 56 imágenes.

In the Eye of the Storm: Capturing Sandy’s Wrath

Composición

TRABAJO NÚMERO 2
Paisajes y composición.

La teoría
Desde la Grecia antigua los artistas se plantean temas de composición y armonía. La expresión más sofisticada de esto, que quizá has leído alguna vez es la Proporción Áurea, también se llama Sección Áurea, número áureo etc.

Lo que hace esta operación en definitiva es tener una división de un rectángulo en dos partes, que entre sí tienen una proporción armónica, o sea que siendo diferentes una no es mucho mayor que la otra sino en una medida agradable (y además matemática)

En fotografía esto se aplica de toda la vida, pero quizá explicado de otra forma mucho más sencilla. Imagínate que en una foto de un paisaje, apaisada, colocas a una persona en un plano cercano, delante del paisaje. ¿Dónde la pones?

¿En el mismo centro? Queda generalmente mal, le das demasiada importancia a la persona, y además se crea un esquema simétrico. la simetría es rígida, propia de los pueblos primitivos, es un modo de colocar las cosas que no estimula la mente, hace que el ojo se quede clavado en el eje central.
¿Pegada a uno de los lados, para que se vea bien el paisaje? Demasiado desequilibrio, seguramente parecerá inquietante, crea demasiada tensión visual.

Si empezamos a buscar un lugar que tenga cierto equilibrio (que nos parezca intuitivamente bien equilibrado) pero que también tenga cierto interés visual, que no sea aburrido, sin necesidad de saber teorías nos vamos a mover en una zona entre el centro de la imagen y el borde. ¿Pero dónde es mejor?


Para eso podemos usar una receta clásica: la Ley de los Tercios. Colocamos a la persona aproximadamente en una de las dos verticales que dividen la foto en tercios, a un lado o al otro.
Si lo comparamos con la Sección Áurea de los griegos, está muy cerca, es casi igual (realmente la Sección Áurea está un poco más hacia el borde, más dinámica).

Es sencillamente hacer una composición dinámica pero equilibrada.

Debajo hay una selección de mi famosa colección de postales kitsh de John Hinde. Era una empresa irlandesa que hacía postales de Canarias en los años 60-70. Venía un fotógrafo de Dublín, hacía las fotos con todos los recursos clásicos y se iba.

Los fotógrafos de John Hinde muchas veces empleaban el recurso de una persona frente al paisaje o también de incluir un primer plano de una planta, flores, etc.

Fíjate dónde están colocadas las personas, aproximadamente a un tercio de la imagen.
Cuando hay primeros planos, de alguna manera enmarcan el paisaje.

Todos estos elementos sirven para varias cosas: nos dan una referencia de escala, que a veces ayuda a hacer el paisaje más grandioso. Al ver algo cerca - algo lejos nos da una referencia de planos de profundidad y tenemos más sensación de espacio.

Ya sé que las postales tienen ese toque kitsch anticuado, pero se puede aprender de ellas.


EJERCICIOS. Hacer fotos de paisajes.
En algunos de ellos probar a hacer fotos malas y fotos buenas:
Una tal como la harías sin pensarlo.
Otra en la que busques algo en primer plano que te pueda servir para lo que te explicaba de añadir profundidad.
Otra con una persona pero no para hacerle un retrato sino usándola como elemento de composición, de espaldas a la cámara y ubicada en el tercio de la imagen.

Aplica lo que te he intentado explicar más arriba.
Yo creo que podías hacer este trabajo con al menos tres o cuatro paisajes.

Por supuesto si tienes más tiempo, después haz más paisajes libremente, con los encuadres, elementos y recortes que te apetezcan.

El recorte
Además considera una cosa importante:
Cuando hagas la foto plantéate también si luego la vas a recortar. Me refiero a que tu cámara tiene una proporción de foto normal, no demasiado alargada. Pero tú puedes plantearte al hacer la foto que vas a recortar suelo, por ejemplo y quedarte con una imagen mucho más apaisada. Intenta pensar eso en alguna de las fotos, ya se harán los recortes luego.

Mirar bien las fotos que has hecho.
Comparar el efecto de añadirle personas al paisaje o elementos en primer plano. Esto lo haces mejor días después de haber hecho las fotos.

Este joven en Tamadaba además de estar en el tercio horizontal también está en el tercio vertical. Sólo por nombrarlo, los 4 puntos donde se cruzan las líneas de los tercios se llaman Puntos Fuertes, ese chico está sobre uno de ellos, eso le da más potencia visual.

Si en esta foto del Médano quitas a la pareja con el camello, indudablemente se pierde mucho interés y si además quitas las rocas del primer plano, la foto queda aburridísima.

Podrás reconocer esquemas de composición similares en las siguientes postales.

Más:
Estas son dos de las 50 fotos finalistas del Concurso fotogŕafico del Smithsonian 2012.
Observa el uso de la composición, espacio, líneas, formas

(Photo by Vo Anh Kiet (Ho Chi Minh City, Vietnam). Photographed in La Pan Tan, Mu Cang Chay, Yen Bai, Viet Nam, September 2012.)

(Photo by Alamsyah Rauf (Sulawesi-Selatan, Indonesia); Photographed Indonesia, September 2012.)

Autorretratos

TRABAJO NÚMERO 1
Hacerse un autorretrato con el móvil.

Este es un trabajo inicial de toma de contacto, aunque no por ofrece menos posibilidades. De hecho, el género del autorretrato es constante en la historia de la pintura y posteriormente en la de la fotografía, bien sea para probar equipos, técnicas o recursos o para trabajar en la aceptación de la propia imagen y perder miedo al acto fotográfico.

Se pueden establecer normas o dar consejos, pero enfoque, encuadre, composición, color, son conceptos que iremos viendo a lo largo del Taller. Para este autorretrato prefiero no dar ningún tipo de indicación.

¿Se puede hacer trabajo de postproducción sobre la foto? Sí. Con cualquier programa que nos permita manipulación digital.

Yo suelo utilizar Gimp, pero cualquiera vale.

En clase vimos una pequeña selección de autorretratos de fotógrafos conocidos: Richard Avedon, Vivian Maier, Lee Friedlander, Robert Mapplethorpe, Weegee.

Más:
Lee Friedlander se hizo autorretratos constantemente a lo largo de su vida. Aquí puedes ver una selección: Lee Friedlander 1960s Self Portraits

Interesante también este texto (en inglés): 10 Lessons Lee Friedlander Has Taught Me About Street Photography. Eric Kim

¿Por qué la foto con móviles?

La fotografía ha ido desarrollándose junto a constantes avances tecnológicos desde sus inicios, en un proceso que aún no parece haber llegado a su fin.

Sin embargo, ya desde el siglo XIX hay fotógrafos que relativizan la importancia de la técnica para centrarse en otros aspectos más relacionados con la visión del fotógrafo.

Otros fotógrafos han preferido cámaras más simples para hacer un trabajo más discreto y poder hacer fotos más íntimas o que no interfieran tanto con las personas a quienes se fotografía.
La foto con móviles puede entenderse y utilizarse como una continuación de esta tradición, adaptada a nuevas tecnologías pero con el mismo espíritu. 

La lista es extensa, cito algunos ejemplos que podemos entender más bien como pistas: 

The Diana Show y Photovision nº17

La cámara de juguete original fue la Diana, poco más que una caja de plástico que dejaba entrar un poco de luz, que no necesitaba batería, y tenía pocas posibilidades de configuración -dos velocidades de obturación, tres ajustes de apertura.

Nadie sabe exactamente se fabricó la primera Diana por la Great Wall Plastics Company, pero se importó por primera vez a los EE.UU. alrededor de 1966. En los EE.UU., la Diana fue vendido principalmente en droguerías y bazares, en especial en zonas turísticas a menos de $5. La Diana usaba la película nás barata de formato medio (120).

La Diana llegó justo como la fotografía fue aceptada en contextos universitarios, y ganó en importancia cuando los profesores de fotografía se dieron cuenta de que la cámara de juguete permitía a los estudiantes aprender los fundamentos de la composición sin tener que invertir en equipo costoso y complicado. Jerry Burchard y Gassan Arnold, en particular, defendieron la Diana como una herramienta de enseñanza.

Algunos de los estudiantes de finales de 1960 pasaron a convertirse en los primeros fotógrafos profesionales que trabajan con la cámara del juguete. Iowa de Nancy Rexroth fue la primera gran exposición, expuesta en la Corcoran en 1971, y en 1979, había más de un centenar de participantes en The Diana Show, una exposición colectiva en California. Fotógrafos acostumbrados a cámaras mucho más sofisticadas estaban entusiasmados con de la relativa simplicidad de tomar fotos con cámaras de juguete, así como la imprevisibilidad de la imagen debido a las fugas de luz y demás imperfecciones técnicas.

En la revista de fotografía Photovison se dedica en 1984 un número monográfico a “La cámara pobre”. Se reúnen obras de Nancy Rexroth, Dagmar Hartig,Sally Gall, David Rasmus, Daniel Canogar, junto con textos de Carlos Cánovas y Jorge Ribalta.

En este enlace puedes leer esos textos, donde se delimitan las características y consecuencias de la foto con estas cámaras juguete o pobres.

Foto: Sally Gall

La Lomografía

http://www.lomography.com/

http://www.lomography.es/photos

En 1991 dos estudiantes de fotografía redescubren en Praga las cámaras Lomo Kompakt Automat. No solo las utilizaron sino que a partir de ellas generaron un movimiento fotográfico ( y comercial) que revalorizó el accidente, la imperfección, la foto en cualquier momento y lugar. 

“ ¡qué sorpresa cuando vieron las imágenes tan alucinantes que habían sacado! Los colores eran intensos, saturados y la foto quedaba enmarcada por viñetas. ¡Esto era algo totalmente nuevo! Al volver a casa, estos chicos quisieron tener sus propias Lomo LC-A, y así fue cómo abrieron las puertas a un nuevo estilo de fotografía artística experimental que ahora conocemos como Lomografía. Tras el alboroto que supuso la introducción de la Lomografía, se trasladaron a San Petersburgo con intención de cerrar un contrato para la distribución mundial de esta pequeña y fantástica cámara .”

No solamente redescubrieron y volvieron a fabricar las cámaras Lomo, también las Holga, Diana. La Lomografía ha puesto en el mercado reediciones de estas cámaras en múltiples variantes, junto a modelos nuevos como la cámara Sardina, accesorios. Un universo completo mezclando el fetichismo por las cámaras de juguete con una manera de entender la fotografía. Como ejemplo, sus Diez Reglas de Oro:

Lleva tu cámara a donde quiera que vayas.

Úsala en cualquier momento - noche y día.

La Lomografía no es una interferencia en tu vida, sino parte de ella.

...

(de las Diez Reglas de Oro)

En 2012 se difunden las "10 profecías del futuro analógico".

Como bien aconsejan en su propio decálogo: sáltate las reglas. Podemos elegir las que nos interese. Para mí pueden ser:

2: El regreso de la suerte, la coincidencia, los imprevistos, la casualidad, la fortuna y la sorpresa

3: Espera lo inesperado y la emoción de experimentar

6: Mira dos veces

Arizona fall colors with the Diana+ medium format camera. Kevin Dooley. CC:By.

Bernard Plossu y Joel Sternfeld

Bernard Plossu, el viejo beatnik de lascarreteras españolas. por Lieya Ortega. xataka foto.

Bernard Plossu (1945, Vietnam), uno de los grandes fotógrafos europeos actuales, fue galardonado con el Premio Nacional de Fotografía en Francia en 1988, mismo año en que el Centro Pompidou de París le dedicó una exposición retrospectiva. Plossu está considerado, gracias a su extenso trabajo paisajístico, como el fotógrafo viajero por excelencia. Así, podemos afirmar que su obra, mayoritariamente constituida por reportajes de todos los lugares que ha visitado, es un elogio al silencio y a la soledad. Paisajes insinuados y sugeridos más que proclamados, son lo que podemos observar en sus fotografías. 

Durante unos 7 años, Plossu vivó en Almería. En 1996 recopiló fotos personales íntimas, de esos años en Los años almerienses con cámaras juguete 1987-1944.

Las fotos están realizadas con lo que él llama cámaras juguete, y en sus textos explica por qué:

Su automatismo, extremadamente simplificado, permite ir más deprisa que el cerebro: basta con apretar el botón, eso es todo. (…) Una simplificación técnica para uso infantil y ¡hop, ya está!, la fotografía en estado puro, ¡y barata! Richard Rudisill, el historiador americano de la fotografía, me dijo una vez: “No son ni la cámara ni la película la que hacen la foto, sino el ojo del fotógrafo”; es discutible, la cámara y la película permiten al ojo inteligente traducir, realizar lo que ve. Denis Roche, en su prólogo a El viaje mexicano, afirma que “únicamente refiriéndose a un fotógrafo puede decirse que porque entiende ve, lo que es justamente lo contrario de lo que ocurre a la mayoría de la gente”. 

Catálogo

Las cámaras

¿Con qué cámara sueles disparar? ¿Te da igual una que otra?

Sólo utilizo mis viejas Nikkormat. Tuve un Brownie Flash a los 13 años, una Kodak Retinette, despues una Pentax en la selva de Chiapas y en Big Sur una pequeña Nikon… pero casi después de medio siglo de tomar fotos, es la sencilla Nikkormat a la que le he sido fiel. ¡Además, no es cara! Nunca he tenido una Leica. Cuando cobraba algo, me lo gastaba en comprar unos billetes de avión para viajar, ¡y no en una Leica! (De todos modos, no me gustan los mitos, y no tengo necesidad de hacer lo que me dicen sin parar. ¡No porque grandes fotógrafos hayan usado una Leica tengo que dejarme convencer para hacer lo mismo! ). La Nikkormat es sólida, barata y lo suficientemente buena para mí.

Pero también he usado “cámaras de juguete” porque adoro esos pequeños aparatos donde no hay que hacer nada.

He tenido Agfamatics, cámaras panorámicas desechables ,cámaras de plástico que compraba en el estanco de Nijar. Con todo esto hacía fotos, ya que no es la cámara la que hace al (buen) fotógrafo, si no el ojo y la mente. Además, que placer , estos pequeños dispositivos donde no hay nada que ajustar más que “Nublado” o “Soleado”

(Véase el libro “Nuages / Soleil” y “Los Años Almerienses con cámaras de juguete “)

(Entrevista con Bernard Plossu, revista Ojos Rojos)

El azar

¿Qué prefieres disparar a tiempo y hacer lo que esperabas o no llegar a tiempo y sorprenderte?

¿Esperado? ¿Sorprendido? ¡El fotógrafo tiene el azar que se merece! Pasan tantas cosas a su lado, detrás de él, a los lados. Una buena foto no habla sólo de lo que tiene delante, sino de todo lo que tiene alrededor. Disparo más cosas,momentos inesperados, que momentos planeados. ¡El azar es la llave de la fotografía inteligente! ¡Cazamos el azar!

(Entrevista con Bernard Plossu, revista Ojos Rojos)

iDubai

Durante años Joel Sternfeld ha viajado por el país con el tipo de cámara que necesita un trípode para componer cada toma cuidadosamente detrás de un paño negro.

Pero en su projecto más recinet fue a Dubai y tomó fotos en centros comerciales con un iPhone.

Según Sternfeld, Dubai es "un símbolo perfecto del mundo que se consume". Mientras su temas anteriores eran discretos y pragmáticos, Dubai era deslumbrante y desmesurado. De la misma forma, donde su estilo fotográfico era mesurado y cuidadoso, el proyecto Dubai necesitaba un estilo improvisado, casi impulsivo, como el mismo hecho de ir de compras. Sternfeld cree que lo ideal es unir forma y contenido

"Cuando tienes unidad, se resalta la potencia y el alcance de tu trabajo, así que la idea de documentar el consumismo con un producto de consumo era especialmente tentadora. De ahí el iPhone."

Seeing Dubai Through a Cell PhoneCamera Joel Sternfeld

Frederick Monsen y Damon Winter

En el libro Photography and the American Indian se detallan testimonios de fotógrafos de la década de 1880, por ejemplo Charles Lummis, que fotografió a los indios Pueblo: "Creían que las fotos no se las tomaba a ellos sino de ellos y que, con suficientes copias, se consumirían hasta la nada". En la década de 1850 Carl Wimar fotografió a los indios Mandan que rechazaban que les hicieran fotos por miedo a que la cámara reintrodujera una epidemia de viruela. En la década de 1870 el fotógrafo E.O. Breaman fotografió a los indios Hopi, con un grupo que temía a la cámara como instrumento de muerte mientras otro lo consideraba "gran hombre-medicina".

En esos años las cámara de placas era aparatos grandes y complejos. Después de 1888, cuando aparecen los primeros modelos de Kodak con película en rollo, el fotógrafo Frederick Monsen las adoptó de inmediato en su trabajo de fotografiar a los pueblos indios del sureste, desde finales del siglo XIX hasta las primeras décadas del siglo XX.

En el librito The Frederick Monsen etnographic indian photographs (1905) podemos leer:

"Fui de aldea en aldea, siempre aceptando sus costumbres, comiendo su comida, interesándome por lo que les interesaba a ellos... Casi cualquier indio o grupo de indios habría posado para mí, pero una foto de ese tipo no me era útil, lo que yo quería obtener de verdad eran las expresiones inconscientes de la vida cotidiana. Naturalmente en esos días todo tenía que sea posado y enfocado, y solo se disponía de la cámara de trípode, grandes placas de cristal y lentes lentas."

"Cuando se inventó la película en rollo creo que fui uno de los primeros en usarla de forma profesional... Un fotógrafo que utiliza una cámara grande y placas de tamaño completo raramente puede conseguir la atmósfera, perspectiva o libertad de conciencia tan deseables cuando se fotografía a los indios... Mi método de trabajo era llevar dos pequeñas Kodak sujetas a un cinturón alrededor de mi pecho y tapadas por un abrigo holgado... una larga práctica en enfocar hacía posible hacerlo por instinto, como un tirador con un rifle que dispara desde la cadera. Y mis sujetos raramente se daban cuenta de cuándo eran fotografiados."

Además de usar la cámara como una "pluma de tomar notas" Monsen habla de otras dos razones para usar cámara pequeñas de rollo.

La primera es puramente práctica, "reducir el peso del equipo alrededor de un 90%, algo importante en esos viajes".

La segunda es la "calidad artística de las copias finales". Los negativos grandes con copia directa con la luz de Arizona o Nuevo México eran demasiado duras para Monsen y "no tenían atmósfera o sentimiento artístico". Al ampliar las copias de un negativo pequeño se obtiene "no solo un sentimiento de perspectiva que da idea de las vastas distancias sino que su suavidad y el efecto de luz difusa representa mejor la característica atmósfera del desierto." 

Damon Winter

Damon Winter, reportero de The New York Times ganó un tercer premio en la categoría de relatos fotográficos en el prestigioso Pictures of The Year International, coin fotos que había hecho con un iPhone usapndo la app Hipstamatic.

Se trataba de un reportaje titulado Agrunt's Life sobre la vida cotidiana de un batallón de soldados american en Afganistán.

 De ahí surgió un debate en el que algunos crítios llegaron a afirmar que “se había asesinado al fotoperiodismo”. Otros reconocían que Winter "puede que sea el primer fotorreportero en ganar un premio importante documentando un evento con una app, pero no será el último"

Damon Winter Through My Eye, NotHipstamatic’s

"En el corazón de todas estas fotos hay un momento o un detalle o una expresión que nos cuenta la historia de la vida cotidiana de estos soldados. Nada puede cambiar esto. No se ha añadido ningún contenido, ni quitado, oscurecido o alterado. Estas son imágenes especialmente directas y simples.

Usar el móvil es discreto, fresco y poco intimidante. Los propios soldados suelen hacerse fotos entre ellos con los móviles y esa fue la esperanza de este trabajo: tener un conjunto de imágenes que tuvieran casi ese aspecto, pero a través de un ojo profesional.

La belleza de esta nueva herramienta es que te permite ver y acercarte a tus sujetos de forma diferente. Usar el móvil me llevó a pequeños detalles que de otra forma me habría perdido. La imagen de los hombres descansando juntos en una litera no podría haberse hecho nunca con mi cámara habitual. Se habría roto el momento en cuanto hubiera sacado mi cámara 5D con el gran objetivo 24-70. Pero con el móvil, los hombres estaban cómodos. Siempre se reían cuando me veían haciéndoles fotos con el móvil mientras de los hombros colgaban mis cámaras profesionales.

No somos fotocopiadoras andantes. Somos contadores de historias. Observamos, elegimos momentos, enmarcamos pequeños fragmentos de nuestro mundo con nuestros visores" 

— Damon Winter 

Móviles y apps

Los móviles ya habían incorporado cámara de fotos pero la aparición de los smartphones y su universo de aplicaciones (apps) hace que surja de nuevo el interés por la foto vintage o retro, con aplicaciones que mediante software recrean los resultados fotográficos de cámaras Polaroid, Diana, Holga y demás.

Los móviles, además, son omnipresentes. La mayor parte de la gente lleva uno, lo que significa que también lleva una cámara de fotos. Mejor o peor calidad, pero un aparato que puede hacer fotos. En parte es el equivalente de lo que supuso el lanzamiento de las cámaras Kodak a finales del siglo XIX: una popularización brutal de la foto y un cambio de sus uso, porque la fotografía se hace más social. 

De izquierda a derecha, iconos de Instagram, Hipstamatc y Vignette

Para terminar

El uso de cámaras pobres, toy-cameras o fotos con móvil no es obstáculo para seguir usando otras cámaras "normales" con más posibilidades de ocntrol de aspectos técnios. Tampoco es una opción "para toda la vida", de hecho puede llegar a agotar.

Nacy Rexroth, una de las participantes en The Diana Show, escribió: 

"La serie Iowa ha ocupado hasta ahora seis años d emi vida. Mirando hacia atrás parece excesivo haber pasado tanto tiempo usando una cámara infantil de plástico como la Diana. Pero, de algún modo, el aliciente permanecía y continué hasta un día en Ironton, Ohio, en que me di cuenta de que ya no me interesaba más".

Damon Winter escribe:

"No pretendo convertir en un fotógrafo de cámara de móvil. Lo uso con frecuencia para fotos personales (mi gato es mi sujeto favorito) lo que sugiere por qué fue la herramienta perfecta para contar esta historia en concreto. Me ayudó a realizar fotos íntimas de un sujero -elsolado americano en guerra- que con frecuencia se ve solo como pare de una maquinaria de guerra anónia. No puedo decir si volveré a usar la cámara del móvil en mi trabajo."